Добрый день Пикабу! Много кто тут выкладывает разного рода учебную информацию — вот и я решил поделиться тем что знаю. Буду выкладывать информацию по видеомонтажу для новичков, и всех, кто желает научится монтировать — будь то для работы или для разгребания домашнего видео.
Сразу оговорюсь — курс будет длинным (если, конечно, вообще зайдет), рассчитан на новичков и тех кто совсем ничего не знает в этой области (проффи скорее всего закидают меня тапками). Много информации будет копипастой с интернета, я только ее организую и отсею лишнее.
Итак примерная программа всего курса:- Теория видео и все что с этим связано. — Программа Adobe Premiere Pro CC 2014.
— Базовые инструменты и приемы монтажа.
— Встроенные и сторонние плагины.- Мультикамерный монтаж.
— Звуки и музыка в видео.
— Рендер
— Adobe Dynamic Link. Adobe After Effects.
Вот и вся вступительная информация.
- А теперь к сути.
- Для начала информация что такое монтаж и краткий экскурс в его историю.
- Монтаж (фр. montage) — творческий и технический процесс в кинематографе, на телевидении или звукозаписывающих студиях, позволяющий в результате соединения отдельных фрагментов исходных записей получить единое, композиционно целое произведение (Фототехника, 1981)
Видеомонтаж — это процесс, во время которого создается полноценный фильм из отснятого материала. Во время видеомонтажа специалист удаляет неудавшиеся моменты, создает сюжетный ряд, убирает погрешности съемки, редактирует звук.
Добавление фотографий, титров в начале и конце фильма, субтитров, калибровка скорости и музыка делают фильм живым.
Видеомонтаж — это искусство, и профессионал в этой области, как художник, создает шедевр из простой последовательности кадров, складывает мозаику так, чтобы получился увлекательный фильм.
Но как же люди обходились в то время, когда компьютеров еще не существовало?
В далеком 1958 году фирма Ampex Corp. создала макет видеомонтажного устройства, работающего с видеолентами шириной 2 дюйма. На то время это был прорыв в деле монтажа, и вскоре многие компании, занимающиеся видеотехникой, следуя стопами Ampex, создали свои устройства. И именно о том времени можно говорить как о времени создания полноценного видеомонтажа.
Что же представляло собой это устройство? В его состав входили острое лезвие и малюсенький микроскоп, позволявший лезвию точно находить точку разреза.
Место разреза оператор предварительно посыпал специальным порошком, после чего происходила проявка видеодорожки, и затем с помощью микроскопа оператор разрезал ленту в точно определенном месте.
А затем концы ленты соединялись специальной клеящей лентой.
В начале 1960 года появился термин «электронный монтаж». Первые системы электронного монтажа тут же заняли первые места в продажах, сместив с лидирующих позиций прочно угнездившихся там механических устройств.
Плюс электронного монтажа был в том, что он позволял сохранять записи исходного отснятого материала и в дальнейшем работать с ним.
Системы работали мудрено: для монтажа требовалось два магнитофона, один работал на воспроизведение (на нем проигрывалась лента с записанным исходным материалом), а второй — на запись (на его ленту оператор в определенной последовательности записывал отрывки исходников).
Однако первые устройства электронного монтажа не были автоматическими и многое зависело от искусства монтажера, который должен был вручную запустить оба аппарата и в нужный момент нажать на кнопку записи. Так как возможности отрепетировать склейку не было, то это делало монтаж весьма трудоемким и довольно нудным процессом, к тому же требующим изрядной ловкости и мгновенной реакции.
Позже возникла идея применения адресно-временного кода совершила революцию в технологии монтажа и вскоре появились компьютерные автоматизированные системы, использующие АВК. Эти системы позволяли автоматически синхронизировать работу двух и более видеомагнитофонов и достигли высокой точности монтажа (до кадра).
К компьютерному монтажу человечество пришло не скоро — только в 1994 году по телевидению в масштабах страны была показана программа, полностью смонтированная на компьютере.
Нелинейный монтаж — означает как раз то, что монтаж происходит уже после того, как материал был отснят, перенесен на жесткий диск компьютера и разбит на фрагменты. О линейном монтаже говорят, когда оператор в реальном времени занимается переключением различных источников видеосигнала.
Теперь о цифровом видео.
Цифровое видео — совокупность технологий записи, обработки, передачи и хранения изображения и звука цифрового телевидения.
Основное отличие от аналогового видео заключается в том, что видеосигнал и звук кодируются и передаются не в исходном виде, а после аналогово-цифрового преобразования в потоки видео- и звукоданных.
В большинстве случаев цифровое видео подвергается компрессии для уменьшения объёма данных, предназначенных для передачи и хранения.
Как формируется цифровое видео.
Оптическое изображение формируется с помощью объектива на светочувствительной матрице видео- и телевизионных камер, телекинопроекторов, цифровых фотоаппаратов, камерафонов или планшетов, веб-камер, камер систем видеонаблюдения и других подобных устройств.
С помощью различных систем производится цветоделение изображения для получения монохромных полутоновых компонент трёх основных цветов.
После применения гамма-коррекции сигналов R, G, B производится их преобразование для получения сигнала яркости Y' и двух цветоразностных сигналов: R'-Y' и B'-Y'.
При этом используют метод субдискретизации цвета.
Он основан на том, что человеческий глаз гораздо более чувствителен к яркости, чем к цвету (другая причина принятия данного стандарта: когда-то он обеспечивал совместимость цветных и черно-белых телевизоров – им достаточно сигнала яркости). Поэтому при компрессии видеосигнала количество информации о цвете меньше, чем количество информации о яркости. Не будем лезть в математику процесса, перейдем к сути.
Первая цифра в этой системе значений – всегда «4» и она говорит нам о том, что разрешение в канале яркости полное, то есть уменьшения детализации нет. Следующие две цифры – это число выборок цветоразностных сигналов. Можно не запоминать эту формулировку – означают они следующее:
— если после «4» стоят цифры 2:0 – это значит, что информации о цвете в 2 раза меньше и по горизонтали и по вертикали, то есть, при разрешении 1920х1080 пикселей, разрешение в канале цвета составит 960х540 точек.
— если после «4» стоят цифры 2:2, то разрешение в канале цвета составит 960х1080 точек, то есть уменьшено в 2 раза только по горизонтали.
Таким образом, при выборке 4:2:2 разрешение канала цвета в 2 раза меньше, чем в канале яркости, а при выборке 4:2:0 информации о цвете уже в 4 раза меньше, чем в канале яркости.
Это касается только камер снимающих сразу в компрессированные форматы, в других сферах видео и кинопроизводства могут использоваться и другие значения, например 4:4:4:4, где последняя цифра несет информацию о наличии альфа-канала.
Также рассмотрим другие основные параметры цифрового видео:
• Разрешение — величина, определяющая количество точек (элементов растрового изображения) на единицу площади (или единицу длины, как в нашем случае). Ограничимся описанием размеров SD, 720p, 1080p и 4K (вот несколько картинок для понимания)
• Развертка («p» или «i»). Для сокращения передаваемого потока вдвое применяется чересстрочная развёртка, при которой каждый кадр передается двумя последовательными полукадрами — полями. Одно поле содержит чётные строки, второе — нечётные.
Такой режим развёртки обозначается значком «i» от англ. interlace. Такой режим был разработан в эпоху аналогового телевидения, когда не было возможности передавать сигналы с широкой полосой пропускания. Они передавали половину кадра раз в 1/50 секунды, и на выходе получалось что один кадр показывался за 1/25 секунды (25 кадров в секунду).
Также первые цифровые форматы и даже HD использовали этот режим для уменьшения видеопотока. Недостатком такого режима является наличие эффекта «гребёнки» на движущихся объектах при воспроизведении на устройствах отображения с прогрессивной развёрткой.
При построчной передаче (p) всего кадра таких проблем не возникает, однако ширина полосы пропускания или поток такого видеосигнала будет вдвое большими.
• Частота кадров — частота смены кадров за единицу времени, как правило, за секунду.
Чем она больше, тем плавнее выглядит картинка.
Для немого кинематографа частота киносъёмки и кинопроекции была выбрана Люмьером в 1896 году и составляла 16 кадров в секунду. Расход 35-мм киноплёнки при этом составлял ровно 1 фут в секунду, облегчая расчёты.
В наше время существуют два основных стандарта — PAL(аналогичная ей SECAM) и NTSC. Откуда они взялись?
- Кадровая частота кадров телевидения изначально для упрощения конструкции приёмника привязывалась к частоте местных электросетей. В частности:
- — Европейский стандарт разложения 625/50 передаёт 50 полукадров в секунду, соответствуя промышленному току с частотой 50 Гц.
- — Американский стандарт 525/60 — 60 полукадров в секунду, совпадая по частоте с электросетями Северной Америки (позже перешли на 59,94 и 29,97).
- В наше время основными частотами кадров являются:
- — на основе форматов семейства PAL/SECAM: 25p, 50p (и кратные).
— на основе форматов семейства NTSC: 29.97p, 30p, 59.94p, 60p (и кратные).
— киноформаты: 23.98p, 24p
• Видеопоток (Битрейт) — количество битов, используемых для хранения одной секунды мультимедийного содержимого. Чем он выше – тем лучше качество изображения. Если слишком мал – изображение будет распадаться на квадраты.
- Существует три режима сжатия потоковых данных:
- — CBR (англ. Constant bitrate) — с постоянным битрейтом;
- — VBR (англ. Variable bitrate) — с переменным битрейтом;
— ABR (англ. Average bitrate) — с усреднённым битрейтом.
Постоянный битрейт — вариант кодирования потоковых данных, при котором пользователь изначально задаёт необходимый битрейт, который не меняется на протяжении всего файла. Его главное достоинство — возможность довольно точно предсказать размер конечного файла.
С переменным битрейтом кодек выбирает значение битрейта исходя из параметров (уровня желаемого качества), причём в течение кодируемого фрагмента битрейт может изменяться.
Данный метод даёт наилучшее соотношение качество/размер выходного файла, однако точный его размер оказывается очень плохо предсказуем.
• Соотношение сторон. Типичными форматами для видео являются стандартный 4:3 (1,33:1) или широкоэкранный — 16:9 (1,77:1).
• Глубина цвета. Глубина цвета (битность изображения) — термин компьютерной графики, означающий количество бит (объём памяти), используемое для хранения и представления цвета при кодировании одного пикселя растровой графики или видеоизображения. В видео используем 8 бит и 10 бит – 256 и 1024 уровней соответственно.
- Кодеки и контейнеры.
- (А сейчас будет сложно. Тут особо не закапывайтесь в сложные термины — сейчас тут расписано только обзорно — все будет доступно объясняться в последующих постах)
- Стандарт видео — это спецификация (описание) алгоритма кодирования (сжатия) данных.
- Популярные стандарты:
• Стандарты MPEG (Moving Picture Exper Group) — отличаются высокой скоростью компрессии/декомпрессии видео и звука и высокой степенью сжатия без заметной потери качества изображения. Стандарт MPEG-1 обеспечивает «картинку» аналогичную VHS-видео.
MPEG-2 (DVD-Video) по качеству соизмерим с телевизионным изображением. MPEG-3 разрабатывался для систем телевидения высокой четкости (HDTV) и сейчас является частью стандарта MPEG-2.
MPEG-4 используется в разработке интерактивного мультимедиа, графических приложений и цифрового телевидения.
• H.
264 (также известен как MPEG-4 AVC (Advanced Video Coding) — принят в качестве стандарта для сжатия видео высокой чёткости (HD, HDTV), распространяемого на оптических носителях нового поколения: Blu-ray и HD DVD.
Сжатие H.264 обеспечивает отличное качество изображения и небольшой объём файла, но предъявляет более высокие требования к оборудованию для кодирования и воспроизведения видеофайлов. Уже разработан h.265.
• WMV (Windows Media Video) — формат сжатия видео от Microsoft; для записи, как правило, используются контейнер Windows Media (*.wmv).
- • DV — формат записи, использующийся в цифровых видеокамерах.
- • Другие форматы: Apple Quicktime, VCD (Video CD), Super Video CD и пр.
- Кодек — программная реализация алгоритма кодирования. Популярные кодеки:
- • DivX — самый распространённый кодек стандарта MPEG-4;
- • Xvid — открытый кодек, основанный на одной из версий кодека DivX;
- • ProRes 422 — семейство кодеков от Apple Inc.
• x264 — кодек для сжатия в стандарте H.264. и пр.
Строго говоря за декодирование отвечает декодер (например, ffDShow), хотя под кодеком часто понимают и кодер, и декодер. Если в системе не установлен необходимый декодер, то видеозапись не будет воспроизведена. Существуют монтажные кодеки (тот же ProRes 422).
Контейнер — формат файла, в котором сохраняется видеоряд, звуковая дорожа/дорожки, субтитры и служебная информация.
- (На картинук под словом «видеофайл» следует понимать контейнер)
- Популярные контейнеры:
- • Audio and Video Interleaved (AVI) — стандартный медиаконтейнер для Microsoft Windows; позволяет использовать различные кодеки, обычно DivX и XviD.
• MPEG-4 (MP4) — медиаконтейнер, поддерживающий аудио и видео из группы MPEG-4; официальный стандарт контейнера для видео H.264; может содержать звук только в формате AAC.
• Matroska (MKV) — открытый и гибкий формат контейнера; расширения файлов: *.mkv — для видео с субтитрами и звуком, *.mka — для аудиофайлов, *.mks — для субтитров.
• Ogg — медиаконтейнер для аудиокодека Vorbis и видеокодека Theora.
• Windows Media — формат контейнера для видеозаписей, разработанный Microsoft; расширения: *.asf, *.wmv, *.wm.
• Другие виды: QuickTime (*.mov, *.qt), MPEG-2 (*.mpg), 3GP, FLV и пр.
- Соответственно когда речь идет о формате видео, нужно обращать внимание не только на расширение файла, но и на кодек которым закодировано видео внутри.
- Пайплайн в производстве видео.
- Последней информацией на сегодня будет короткое описание пайплайна в производстве видео.
1. Съемка видео.
2. Загрузка материала в видеоредактор.
3. Синхронизация камер и звука.
4. Отсмотр материала, черновой монтаж.
5. Коррекция видео (стабилизация, черновая цветокоррекция)
6. Накладывание эффектов, титров и пр.
7. Работа со звуком.
8. Цветокоррекция.
9. Рендер материала.
Тут стоит сказать что рабочий процесс у каждой студии индивидуален, и не стоит брать этот порядок как единственно возможно верный. Каждый выбирает для себя — что и как ему делать.
На сегодня все. Все вопросы пишите в комментарии, отвечу в меру своих знаний.
А если вы считаете что я написал какой-то бред — милости прошу с адекватной критикой в обсуждение, я всегда рад поучится чему-то новому.
Всем добра и хорошего материала на монтаже!
Видеомонтаж Adobe Premiere PRO Adobe Обучение Длиннопост Видео Похожие посты закончились. Возможно, вас заинтересуют другие посты по тегам:
Как делать видео. Часть 3: съемка и монтаж
Валерий Кропачев подготовил серию публикаций о видеопроизводстве в диджитале. Эти знания помогут сделать видео в YouTube или Instagram, которые действительно зацепят подписчиков. Третья заключительная часть посвящена съемке и монтажу.
В прошлых публикациях я рассказывал, что для низкобюджетных видео не обязательно использовать профессиональное оборудование, достаточно продуманного сценария и смартфона с хорошей камерой. На качество ролика в большей степени влияет работа оператора. Сегодня поговорим об основах съемки, звукового сопровождения видео и монтажа.
По Кулешову есть шесть видов крупности плана.
- Деталь нужна для акцента и и чтобы сосредоточить внимание зрителя на нужном вам объекте, например, на дрожащей руке с пистолетом или улыбке.
- Крупный план — для передачи эмоций и мимики актера.
- Средние планы подходят для съемки диалогов.
- Общий — для съемки динамичных сцен, драк, танцев.
- Дальний — чтобы дать зрителю представление об окружающей обстановке.
Крупность и комбинация планов. Источник: Lapse Studio
Чтобы после монтажа видео не выглядело дерганым, не монтируйте стоящие по соседству планы, а прыгайте как минимум через один. То есть крупный органично монтируется со вторым средним, а общий — с первым средним. Исключения — деталь и дальний план. Они органично монтируются даже с соседними.
Существует несколько общепринятых способов располагать объекты в кадре.
Правило третей. Если размещать объект не в центре, а вдоль вертикальных или горизонтальных линий, а также в точках их пересечения, картинка будет живописнее, как на этой примере:
По центру. Если разместить объект в центре, внимание зрителя будет приковано именно к этому объекту. Но появится ощущение принуждения, будто оператор говорит: «Смотри вот на это!». Сравните: картинка слева выглядит менее живописной, зато сразу приковывает взгляд к объекту. Используйте оба способа в зависимости от цели.
Вправо = вперед. Если что-то движется в кадре слева направо, мы воспринимаем это как движение вперед, по направлению к чему-то, а если справа налево — как движение назад, возвращение или уход от чего-то.
Мозг подсказывает, что на верхней картинке женщина скорее всего отправляется куда-то, а на нижней — наоборот возвращается
Воздух в направлении движения. Если объект движется, между направлением его движения и границей кадра должно быть свободное пространство.
На примере ниже женщина идет вперед, но в кадре перед ней нет воздуха, из-за чего у зрителя появляется дискомфортное ощущение движения вслепую. На следующей картинке воздух есть, поэтому изображение воспринимается гармонично.
Зритель видит не меньше героя и точно знает, что через мгновение в кадре внезапно не появится обрыв, препятствие или что-то еще.
Расположение камеры влияет на то, как зрители воспринимают изображение. Камеру можно располагать следующими способами.
Сверху / высокий угол. Такая съемка преуменьшает размер объекта и создает легкий эффект комичности.
При съемку сверху даже мстители выглядят мелкими и незначительными
Снизу / низкий угол. При такой съемке получаем обратный эффект: объект выглядит больше, величественнее и эпичнее.
Низкий угол подчеркивает силу, власть и значимость героев фильма «Матрица»
Голландский угол — это основательно заваленный горизонт — 10 и более градусов. В зависимости от контекста, может подчеркивать нервное напряжение героя, безумие, дезориентацию или динамику.
Голландский угол передает безумие в фильме «12 обезьян»
На уровне глаз — это классический, привычный зрителю ракурс. Используется большую часть экранного времени в качестве основного. Остальные углы — акценты.
Съемка на уровне глаз привычна и не искажает объекты
POV (point of view) — с точки зрения героя. Максимально вовлекает зрителя в действие и позволяет почувствовать себя на месте героя.
«Хардкор» — первый российский фильм, полностью снятый от первого лица
Съемок с одной точки для большинства видео недостаточно. Чтобы добиться большей выразительности, оператор может двигать камеру следующими способами.
Наезд, в зависимости от контекста и скорости движения камеры, может добавлять драматичности или передавать тревогу.
Медленный наезд передает драму. Сериал «Во все тяжкие»Быстрый наезд помогает прочувствовать тревогу. Сериал «Сверхъестественное»
Отъезд органично и плавно переводит внимание зрителя с объекта на окружающую обстановку или нагнетает атмосферу брошенности, одиночества объекта.
Оператор «Игры престолов» показал размах события и обстановкуОщущение брошенности в фильме «Фицкарральдо»
Скольжение, или Truck — движение камеры вдоль или параллельно чему-либо. Используется для создания эффекта присутствия и увеличения динамики.
Профессионалы для наезда, отъезда и скольжения используют тележку, слайдер или зум. Если у вас этого нет, можно использовать скейтборд, настольный слайдер или картонку и любую гладкую поверхность.
В камерах с оптическим зумом можно использовать и зум. Но в смартфонах и цифровых камерах его лучше не задействовать, так как он не увеличивает, а обрезает и растягивает изображение, снижая качество.
Подъем / спуск — используют в основном, чтобы:
- обозначить высоту объекта;
- переключить внимание зрителя с одной части на другую;
- следовать за объектом, который поднимается или спускается;
- передать киноклише «окинуть взглядом с ног до головы».
Эффектное представление крутого персонажа
Следование — это движение камеры вместе с движущимся объектом. Камера может быть спереди, сзади, сверху или сбоку. Придает кадру динамичности и вовлекает зрителя в происходящее, делая его участником событий.
Камера движется вместе с героями и вовлекает зрителя. Сериал «Элементарно»
Панорамирование — поворот камеры вокруг своей оси. Обычно прием используют, чтобы следить за объектом съемки, переключить внимание зрителя с одного объекта на другой, познакомить с обстановкой.
Знакомство с окружающей обстановкой через панораму
Вращение вокруг объекта съемки — самый узнаваемый прием Майкла Бэя. Придает объекту съемки эпичности и значимости. Особенно эффектно смотрится в замедленной съемке.
Эпичное представление двух крутых копов в фильме «Плохие парни 2»
Чтобы приковать взгляд зрителя к важной детали, используют приемы управления вниманием.
Фокус — простейший способ сконцентрировать внимание зрителя на нужном объекте.
Зритель в любом случае будет следить за фокусом
Контраст света и цвета автоматически привлекает внимание. На изображении ниже почти все темное, кроме центра, поэтому он притягивает внимание.
Главный принцип контраста — выделять то, чего мало
Направляющие линии подталкивают наше внимание к ключевым объектам в кадре. С их помощью можно заставить зрителя смотреть именно туда, куда нужно. Задать линию можно светом, цветом, горизонтом или объектами в кадре.
Внимание направлено в центр кадра благодаря направляющим линиям и контрасту
Движение в кадре переключает на себя внимание, даже если мы этого не осознаем. Наш мозг запрограммирован переключать внимание на любой движущийся объект, и это можно использовать в видео.
Внимание привлекает движущийся хвост кота
Для съемки можно использовать стандартное приложение камеры в смартфоне или установить специальное — с его помощью удобнее настраивать кадр. Например, в приложении FilmicPro есть указатель недо- и пересвета, функции регулировки фокуса и экспозиции, матрица баланса белого и много других функций.
Режим выявления недо- и пересвета в FilmicPro. Гистограмма показывает, что есть пересвет, а заливка красным указывает, где именно
Сейчас я не буду углубляться в тонкости кинематографичности видео и расскажу только о двух основных приемах — каше и количестве кадров в секунду.
Каше — это черные полоски сверху и снизу, наложенные поверх видео, либо съемка с соотношением 2.2:1, 2.76:1 или 2.39:1.
Первый скриншот воспринимается как просто картинка, второй — как кадр из фильма
Съемка 24 кадра в секунду делает видео более кинематографичным. 30 или 60 fps делают его более плавным, но менее «киношным»: становится видна искусственность декораций, движения кажутся неестественными и театральными.
Главный враг оператора — дрожащая картинка. Штатив исключает тряску, позволяет зафиксировать камеру на нужной высоте и снимать статичные кадры, делать плавное вертикальное или горизонтальное панорамирование. Если нет возможности купить штатив, камеру можно стабилизировать и другими способами. Например, опереться локтями о колено, середину живота или какую-либо опору, использовать шлейку.
Варианты стабилизации камеры без штатива. Источник premiumbeat
Свет — по большей части художественная составляющая. Чтобы решить большинство задач и снять видео, достаточно:
- знать классическую схему расположения источников света;
- уметь определять недостаток или переизбыток света;
- выставлять нужную температуру.
Если нужно снять статичную сцену в помещении, используйте схему Рембрандта:
Классическая схема студийного освещения. Источник: igoralekseev.com
Если сцена динамичная, то есть актер движется, будет достаточно яркого потолочного освещения и мягкого заполняющего. В качестве отражающей панели для заполняющего света можно использовать лист пенопласта.
Температура измеряется в Кельвинах. Чем выше температура лампы, тем более холодный свет она дает, вплоть до синего. Чем ниже температура, тем теплее и желтее свет.
Пример теплого и холодного света. Сериал «Очень странные дела»
Баланс белого на камере или смартфоне может скорректировать температуру белого цвета, но с точностью до наоборот: чем ниже температура, тем более синим и холодным выглядит белый цвет. Чем выше температура, тем картинка теплее, вплоть до желтого.
Холодный, нейтральный и теплый баланс белого. Источник: fototips
Вторая составляющая качества видео — звук. Тему изучают подробно несколько семестров в профильном институте, а мы кратко перечислим основы дубляжа и звукового сопровождения.
Если нет профессиональных звукозаписывающих устройств, используйте то, что есть. Возможно, часть реплик и звуков запишутся некачественно — в таком случае можно сделать переозвучку. Для переозвучки достаточно микрофона смартфона и любого тихого помещения без посторонних звуков.
Если снимаете общий план и актер разговаривает далеко от камеры, чтобы не записывать неразборчивые тихие реплики, делают так:
- актеру дают смартфон с диктофоном и гарнитурой;
- закрепляют гарнитуру так, чтобы не было видно;
- одновременно с актером включают запись;
- громко хлопают в ладоши перед камерой — прием позволяет при монтаже синхронизировать видео и звук с точностью до миллисекунд, соединив в монтажке соприкосновение ладоней на видео с пиком от шума хлопка на осциллограмме.
Профессионалы используют хлопушку, для низкобюджетного видео будет достаточно хлопка в ладони.
Синхронизация на монтаже: соединение пика хлопка на звуковой дорожке с видео
Найти и скачать бесплатную музыку для саундтрека можно во многих сервисах, например:
- audionautix.com;
- incompetech.com;
- Аудиобиблиотека «Ютуб».
Во всех трех архивах можно скачивать и использовать музыку в любых целях. В коммерческих целях — с указанием авторства. Если думаете, что бесплатная музыка — это по определению что-то скучное, безвкусное и монотонное, вот пример среднестатистической композиции в жанре Rock.
Со звуками все еще проще: любой звук можно загуглить на английском и скачать из бесплатных архивов, например, freesound.org.
Как снять обучающий видеоролик: 10 секретов технического писателя
Я – технический писатель, 4 года снимаю обучающие видеоролики для системы Directum RX. В беседе со мной коллеги часто слышат:
- «К ролику пришли замечания»;
- «Дай, пожалуйста, доступ к роликам»;
- «Любовь к роликам» и тому подобное.
Наверное, в их головах рисуются примерно такие картинки: 
Вообще последняя картинка не далека от правды. Я люблю обучающие видеоролики, которые снимаю. По факту это скринкасты, разбавленные анимированной инфографикой и визуальными эффектами. В них есть качественная озвучка и субтитры. Они публикуются на YouTube и добавляются в веб-справку по системе. Их общая цель – научить сотрудников использовать систему на полную катушку с максимальной пользой. Вот пример: Создание такого ролика состоит из 10 этапов. Именно о них я расскажу в этой статье. Плюс поделюсь любимыми «граблями» каждого этапа. Речь пойдет именно о технических этапах разработки ролика: написании сценария, съемке, монтаже и т.д. Я осознанно пропускаю мучительный этап выбора темы, а также анализа, нужен ли ролик вообще, или лучше подойдет текстовая инструкция. При желании можем пообщаться об этом в х. Будем считать, что на входе уже есть тема ролика, четко обозначенная целевая аудитория и назначение ролика. Пора творить!
Этап первый. Исследование
У этого этапа две цели: читерская и утопическая.
Читерская цель: собрать полезные материалы, которые облегчат прохождение следующих этапов.
Я создаю документ, в котором:
- записываю входные данные: тему, цель ролика и целевую аудиторию (ЦА). Они помогают отбирать информацию для ролика. Я спрашиваю себя: эта информация поможет достичь цели, раскрыть тему, она точно необходима указанной ЦА? Ответ «да» – добавляю информацию в ролик, ответ «нет» – удаляю;
- составляю список материалов для изучения: ссылки на разделы справки, статьи, исследования, уроки из курсов обучения;
- вставляю ссылки на похожие ролики конкурентов. Пишу, что из чужих роликов можно позаимствовать и как лучше не делать. Например, благодаря чужим «граблям» появилось правило: в наших роликах не добавлять важную информацию в самом низу экрана. Иначе на YouTube она перекроется плеером:
- добавляю мнения экспертов компании. Записываю, какие примеры из жизни стоит показать в ролике, уточняю, с чем у пользователей обычно бывают сложности. Например, узнаю, в заполнении каких полей сотрудники клиентов путаются чаще всего и почему;
- составляю план (скелет, рыбу) ролика. План ролика понадобится для достижения утопической цели первого этапа, а именно: сформировать у меня и согласующих единый образ будущего ролика.
Обычно над роликом работает 3-4 человека:
- технический писатель – основной исполнитель;
- эксперт и/или аналитик – согласующие, которые проверяют полезность контента, помогают придумать «живые» примеры;
- нормоконтролер – согласующий, второй технический писатель, который смотрит на текст «свежим взглядом», вычищает «воду», опечатки, следит за стилем.
У всех участников на первом этапе в голове должна сложиться общая картинка ролика. Поэтому мы встречаемся всей командой, смотрим результаты исследования, совместно исправляем и дополняем план. Я называю вторую цель утопической, потому что фантазия играет злые шутки. Одни при словах «один кадр наезжает на другой» представляют красивую смену кадров, другие – жестокие разборки мафии. В любом случае нам удается договориться по ключевым моментам.Из интересного: на следующих этапах мы не останавливаем работу, если один из согласующих недоступен (ушел в отпуск, заболел, уехал в командировку). Нормоконтролера безболезненно подменяет любой другой технический писатель. Эксперта и аналитика никто не заменяет, так как слишком долго погружать нового человека в тему. По возвращению эксперт или аналитик «догоняет» нас, смотрит проделанную работу и выкатывает замечания, которые мы исправляем или нет – в зависимости от критичности.
Этап второй. Разработка сценария
Моушн-дизайнеры обычно делают сценарии к видео в виде раскадровки. Мы попробовали делать так же для обучающих роликов. Нам не понравилось. Я и согласующие хорошо знаем систему и можем в уме представить, что будет происходить на экране при фразе «С помощью контекстного меню откроем карточку документа». В общем, мы решили не тратить время на скриншоты.
Добавляем только основные, которые можно представить по-разному. Например, для ролика про папки, я добавляла скрины содержимого папок, так как каждый мог представить их по-своему: 
Текст сценария разделен заголовками на смысловые части:
- Введение погружает в тему ролика. В нем обычно описана история, которую рассмотрим в ролике: в компанию по почте пришло письмо, делопроизводителю нужно его зарегистрировать…
- Основное содержимое состоит из порядков действий и связок, которые объединяют всю информацию в единый рассказ. Обычно я копирую подходящий текст из справки. Из одного раздела беру объяснение, как создать документ, из другого – как отправить его на согласование. Текст справки уже согласован, а значит замечаний к этой части сценария, скорее всего, не будет, что мне на руку.
- Заключение резюмирует все, о чем рассказано в ролике. В нем нужно раскрыть бизнес-эффект, побудить повторить действия самостоятельно.
Когда пишу сценарий, прогоняю весь порядок действий в демобазе. Демобаза – это тестовый экземпляр нашего продукта для съемки ролика. Тексты, которые ввожу в поля, добавляю в текст, чтобы согласующие проверили их. Для всех описаний, которые не должны попасть в озвучку, применяю специальный стиль Word (голубой курсивный текст на скриншоте ниже). На 8 этапе расскажу, зачем нужен этот стиль. Документы, которые хочу использовать в качестве примеров в ролике, тоже добавляю в сценарий. Подготовить их помогает аналитик. Стараемся, чтобы документы были максимально похожи на те, с которыми работает целевая аудитория. Например, показываем пример реального протокола совещания, чтобы секретарям было проще применить ролик к своей ситуации. Само собой, у нас уже есть шаблоны согласованных протоколов, договоров, входящих писем и пр. Итого, сценарий в нашем случае – это портянка текста, в которую входят:
- Текст озвучки.
- Описания, необходимые только для съемки ролика.
- Основные скриншоты.
Пример: 
Когда сценарий готов, отправляю его на согласование. На согласовании сценария стараемся не задерживаться, не цепляемся к мелочам. Основное согласование будет после съемки ролика. Например, не «вылизываем» формулировки до идеала: напечатанный текст и озвученный все равно воспринимаются по-разному. Самое важное – утрясти основные моменты, не должно остаться замечаний, из-за которых придется переснимать весь ролик или большую его часть. 
Этап третий. Разработка инфографики
Обучающие ролики не обходятся без теории. Сложно чему-то научить без объяснения терминов и прочих основ. Теория – априори статичный текст. На ее изучении зритель легко может уснуть. Чтобы этого не произошло, на третьем этапе я добавляю инфографику. На самом деле фантазия начинает работать еще при написании сценария.
От текста озвучки зависит, как будут появляться элементы в инфографике. Например, можно написать: «Контрагент через сервис установил обмен электронными документами с нашей организацией». Тогда в инфографике сперва будет появляться иконка контрагента, потом – иконка сервиса обмена и документа, далее иконка нашей организации. Но такой порядок нелогичен.
Будет лучше, если иконка сервиса обмена появится последней и «свяжет» две организации между собой. Ведь электронный обмен как раз это и делает: связывает организации. А значит предложение нужно написать так: «Контрагент и наша организация через сервис установили обмен электронными документами». Если теория сложная, и ее в ролике много, то первые зарисовки инфографики я делаю на бумаге, фотографирую и добавляю в сценарий перед отправкой на согласование. Выглядит это примерно так: 
Бывают и совсем минималистичные зарисовки: 
Когда сценарий стабилизируется, начинаю делать инфографику в Microsoft PowerPoint. Выбрали этот инструмент потому что:
- технические писатели – НЕ дизайнеры, в отличие от проф. программ по инфографике, PowerPoint легко изучить. Обычно программа уже знакома большинству «уверенных пользователей ПК», поэтому можно быстро подключить еще одного сотрудника на помощь в съемке, если заболел основной исполнитель, или дедлайн опять подкрался незаметно;
- инфографики в ролике все же гораздо меньше, чем скринкастов продукта. Цель инфографики – доступно и наглядно объяснить теорию, схемы, взаимосвязи, а для этого возможностей PowerPoint вполне хватает.
Первое время было сложно делать интересные эффекты в PowerPoint. Тут две причины:
Во-первых, программа скрывает гораздо больше возможностей, чем многие знают. Например, я не знала про панель «Область выделения». С ее помощью с объектами на слайде можно работать как со слоями: просто перемещать на задний или передний план, скрывать, удалять.
Еще я научилась использовать смарт-направляющие и сетку, изменять стандартные фигуры по узлам и многое дорогое. Пример изменения фигуры по узлам:
Во-вторых, мне не хватало насмотренности и дизайнерского опыта. Спасибо моушн-дизайнерам компании – они поделились советами. Рассказали основные правила композиции, показали, как можно упростить и повторить в PowerPoint инфографику из их крутых роликов. Через некоторое время я даже в рекламе и в новостях стала подмечать интересные фишки и переносить их в свою инфографику.
Теперь получается, например, что-то такое (фрагменты 00:00 до 00:46 и 04:06 по 5:25):
Этап четвертый. Настройка демобазы
Перед съемкой ролика я перепроверяю демобазу:
- удаляю тестовые данные, которые создавала при написании сценария. Странно будет, если в системе уже создан документ, который в ролике, вроде как, только что пришел от контрагента;
- настраиваю ширину областей. Стараюсь, чтобы было как можно меньше развернутых групп. По возможности избавляюсь от обрезанных данных и многоточий. Все это помогает убрать «визуальный шум» на видео;
- создаю «красивые» объекты: пользователей с живыми именами, документы со знакомыми названиями – не Test, а «Заявление на отпуск».
Было
- Стало
Этап пятый. Съёмка и черновая озвучка
Съемка и монтаж ролика проходят в Camtasia Studio 8. В целом, программа устраивает: интуитивно понятный интерфейс, изучить просто, возможностей достаточно.
Некритичные нарекания к в нашей версии программы:
- требовательна к оперативной памяти;
- «тормозит» при работе с большими, фрагментированными проектами;
- невозможно изменить движение мыши;
- устаревший вид у эффекта «горячие клавиши».
Съемка – один из самых быстрых этапов. Можно управиться за полчаса.
Главные правила, которых я придерживаюсь:
- Следить, чтобы движения мыши были плавными, но не затяжными, без резких скачков. На скринкастах зритель следит за мышью, как за указкой. Она должна проходить «незапутанную» траекторию, чтобы не собирать глаза зрителя в кучку.
Плюс, я уже описала большой минус Camtasia выше: при монтаже движение мыши будет почти невозможно поправить.
- Нужно наводить курсор мыши на элементы, о которых говорится в сценарии. На них появляется системное выделение, например, кнопки при наведении меняют цвет. Благодаря этому при монтаже элементы не придется специально выделять эффектами.
- Нужно без ошибок писать названия документов, текст переписки и прочие подобные вещи. После ввода обязательно все еще раз проверять. Опечатки при монтаже тоже поправить будет сложно. Соблюдать это правило техническим писателям проще, так как отслеживание ошибок в тексте – наш профессиональный скилл.
- Нужно избегать появления всплывающих подсказок (хинтов) к кнопкам, если этого не требует сценарий. Это делается, чтобы по максимуму уменьшать визуальную нагрузку на зрителя.
Четыре этих правила упрощают творчески-технический процесс монтажа. Соблюдая их, можно снять ролик быстрее и дешевле. Первая озвучка в ролике черновая.
Я записываю ее на самую простую гарнитуру. Бедным согласующим приходится мириться с перепадами звука, клацанием клавиатуры – «музыкой» отдела документирования – и моей особенностью «съедать» окончания слов.Кстати, через пару месяцев съемки роликов вы чувствуете себя профессиональным актером озвучивания, даже если не любите свой голос.
Мы специально делаем черновую озвучку минимальными усилиями, потому что во время согласования ролика к тексту с большой вероятностью будут замечания. Не все, что хорошо читалось при согласовании сценария, складно звучит в видео. Такое нужно поправить. Каждый раз перезаписывать весь звук из-за небольших доработок – слишком дорого. Хорошую запись делаем один раз, после согласования ролика.
Этап шестой. Монтаж
Когда новичок начинает монтировать ролики, самое частое замечание: «Тут слишком быстро, а тут слишком медленно». Речь идет о ритме ролика. Его начинаешь чувствовать с опытом – становится понятно, где ускорить, где замедлить. Для начала предлагаю следовать базовой рекомендации: между фразами при смене кадра вставлять паузу длительностью 1-2 секунды.
Это не работает на 100%, но хоть какой-то старт, чтобы начать вырабатывать среднестатистическое чувство ритма, подходящее большинству. Во время монтажа я совмещаю черновую озвучку и видео, ускоряю моменты ввода текста, делаю переходы, добавляю эффекты, вставляю инфографику в нужные места.
Главное правило монтажа – порядок и группировка.
В Camtasia я размещаю видео на первой дорожке, эффекты на третьей и выше, аудио сразу после всех эффектов, последняя дорожка – субтитры. Когда эффекты накладываются друг на друга, они занимают несколько дорожек, поэтому я их группирую. Позже эти простые правила порядка на дорожках помогают исправлять ролик. Быстро находить, где нужна правка.
Контролировать, чтобы после исправления видео, аудио и эффекты остались на своих местах.
Чтобы сделать некоторые эффекты, приходится включать смекалку. Например, эффект «карусели» из кадров и эффект «наезжания» одного окна на другое создаются в несколько этапов. Для новичков отдела я записала видео, как их настроить, чтобы информация не передавалась из уст в уста. Вообще, придумывание инфографики и эффектов – мои любимые этапы разработки ролика.
Этап седьмой. Согласование и опытная эксплуатация
Когда с монтажом покончено, ролик публикуется в формат MP4, отправляется на согласование и параллельно на опытную эксплуатацию (ОЭ). Наступает момент истины! Я узнаю, совпали ли фантазии согласующих о ролике с тем, что было в моей голове.
В ОЭ участвуют люди, которые чаще всего используют ролики в работе или хорошо понимают потребности целевой аудитории ролика. Обратную связь дают преподаватели курсов обучения по системе, обязательно аналитики и внедренцы. Когда все замечания собраны, я их анализирую, обсуждаю с согласующими.
В первое время мы пытались исправлять все подряд:
- рука при съемке слегка дернулась, и движение мыши вышло путаным – исправляем;
- появилась небольшая кнопка в правом верхнем углу экрана, на которую в ролике даже не нажимаем – исправляем;
- одному из трех согласующих не понравился цвет фона в анимации – исправляем.
Трудоемкость исправления роликов была невообразимая! В итоге стали жестко расставлять приоритеты замечаний, некоторые – без угрызений совести отправлять в бэклог, например, те, которые на первый взгляд похожи на вкусовщину:
- не нравится цвет иконок или фона в инфографике;
- мешает фоновая музыка;
- не нравится, что диктор озвучивает содержание ролика.
Такие замечания исправляем, если они повторяются в следующих роликах. К примеру, в старых роликах у нас есть фоновая озвучка, а в новых мы от нее отказались. Если до дедлайна совсем мало времени, отправляем в бэклог замечания, которые не влияют на понимание ролика:
- в озвучке 4 раза используется слово «период»;
- нужно в озвучке убрать упоминания названия полей «Поручение» и «Общий срок». Достаточно, что мы их подсвечиваем.
Такое исправляем при актуализации ролика по новинкам системы. Примерно за 2-3 круга ролик согласуется.Лайфхак: на обсуждениях с согласующими я часто использую диктофон. В силу наших характеров мы высказываемся быстро, эмоционально и живо, запись помогает ничего не упустить при исправлении.
Загрузка...
